miércoles, 19 de noviembre de 2008



En este Blog puedes encontrar las siguientes entradas e instrumentos musicales:
2008 ENERO:
Música, ¿para qué?
Breve Historia de la Flauta
Clasificación de los Instrumentos Musicales
La Familia de las Flautas
Flauta Travesera
Irish Whistle
Flauta Dulce 

2008 FEBRERO:
Flauta Nativa Americana (NAF)
Xiao
Flauta Dulce Alto (Sistema Barroco)
Arabian Flute
Hu Lu Si
Flautín
Quena
Been


2008 MARZO:
Mijwiz (o Arghoul)


Al final del Blog encontrarás una gran cantidad de ENLACES sobre Tiendas, Fabricantes, Intérpretes y Flautas del Mundo.

MÁS VÍDEOS EN

domingo, 30 de marzo de 2008

Mijwiz (o Arghoul)

El mijwiz es un instrumento de viento tradicional en la música árabe. A veces se le llama Al-Mizmar, Al Mazawij, Al-Matbakh o Al-Maqrunah. Normalmente se hace con cañas o con huesos de águila.

Mijwiz en árabe significa "dual", ya que es un clarinete de doble caña popular en varios países como Siria, Líbano, Palestina, etc.
Dentro de cada caña, hay una más pequeña, arreglada para que vibre y produzca un sonido. En el norte de África, este instrumento es conocido como Makrum. Al ser tocado por un buen músico, el Mijwiz pareciera estar representando el diálogo entre dos estados de ánimo. De manera distinta a una flauta tradicional, el Mijwiz se toca a través de un proceso conocido como “respiración circular”, lo que permite al músico producir un sonido contínuo, sin interrupción. En palestina, hay un instrumento muy popular y similar al Mijwiz llamado Yarghul. En Túnez, lo llamamos Zukrha y en Marruecos es más conocido como Ghaytah.

Se usa para acompañar la danza dabkah, en bodas y otras festividades. El mijwiz es el más antiguo de los instrumentos de viento.


La palabra arghould proviene de urgun y es un instrumento tradicional egipcio. Hay tres tipos diferentes: Arghoul grande, que puede llegar a medir 2,5m. Argoul mediano es un poco mas pequeño y puede tener distintas formas. Por ultimo, el argould pequeño que es el de menor tamaño que los anteriores.

El arghould son dos instrumentos de viento de lengüeta simple unidos, que suenan al mismo tiempo y con las mismas notas. La leve desafinación entre los tubos produce un sonido particular, que podría decirse que es parecido al de la gaita. Es el instrumento característico del Saidi.

De este instrumento, junto al aulos griego y los caramillos del siglo XVII, procede el clarinete actual.

Los instrumentos que aparecen en las dos imágenes están comprados en Jerusalem (Israel), si bien están fabricados en Egipto. Sus medidas son 17, 22 y 28 centímetros y están hechos con bambú.

martes, 26 de febrero de 2008

Been


El Been, también conocido como Pungi, es el instrumento usado por los encantadores de serpientes en países como la India, Pakistán, Sri Lanka, etc.

Los primeras informaciones sobre encantadores de serpientes provienen del antiguo Egipto, aunque este fenómeno tal y como lo conocemos hoy en día proviene, casi con toda seguridad, de la India, extendiéndose posteriormente al Medio Oriente y al Norte de África, ya que el hinduismo ha considerado durante mucho tiempo la serpiente como un animal sagrado, siendo los encantadores de serpientes personas supuestamente influenciadas por los dioses.

Los encantadores de serpientes están en la actualidad en peligro de extinción, ya que en la India, por ejemplo, existe una ley que prohíbe tener en propiedad a serpientes, aunque el gobierno permite a un número limitado de encantadores poder actuar en determinados sitios turísticos.

En cuanto a las serpientes, en algunas de ellas se eliminan los colmillos o las glándulas del veneno e incluso se les llega a coser la boca. Las serpientes usadas por los encantadores de serpientes suelen ser cobras o víboras, aunque hay muchas otras.

El Been suele estar realizado con calabaza, madera y resina, siendo un instrumento muy rudimentario y de poca calidad. En la imagen siguiente podemos ver un Been traído de la India que tuve en mi poder:


Este Been tiene tres trombones y un vibrador y consta de siete agujeros.

El Been que aparece en la siguiente imagen, sin embargo, tiene nada más que dos trombones y seis agujeros y está fabricado con palisandro.


En cuanto a la técnica para tocar el Been, destacar que los encantadores de serpientes utilizan la respiración circular, consistente en respirar sin dejar de producir sonido en el instrumento.

Con este último Been es con el que está interpretado el siguiente vídeo, una improvisación:

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viernes, 22 de febrero de 2008

Quena

La Quena es una flauta típica de América del Sur y usada en países como Perú, Bolivia, Argentina, Chile o Ecuador. Es el instrumento más importante de la música folclórica andina.

Este instrumento era ya tocado en el imperio Inca y el primer dato histórico lo encontramos en una crónica de la conquista del imperio Inca, que dice así: "cuando van a la guerra llevan muchas bocinas, tambores, flautas y otros instrumentos". Los cronistas españoles en la época colonial expresaban gran sombro ante la perfección técnica que habían alcanzado los indios del Pirú en la construcción de flautas.

En la actualidad la Quena es usada en fiestas, en actos religiosos, en grupos de música criollos, en orquestas sinfónicas, etc. También es un instrumento tocado por personas del mundo entero que buscan solo el puro entretenimiento.

La Quena en la actualidad tiene 7 agujeros, aunque desde sus orígenes las ha habido desde 4 hasta 7 agujeros. Es una flauta vertical con muesca, con ciertas similitudes al shakuhachi japonés. Los materiales usados para su construcción son caña, hueso, madera, barro, etc.

Dependiendo de su tamaño y su afinación, la Quena puede recibir varios nombres. A saber, shilo, pingollo, kenali, lawata, mahala, quena, pinkillo, chayna, qquenacho, choquela, kena pusi, mama quena, clarin, kenakena, phusipia, phalawata, flauta chaqallo, phalaata, puli puli, pusippiataica, san borga quena, flauta de sandia, mollo, hilawata, pinkollo, machu quena, etc, que van desde los 15 centímetros hasta los 120 centímetros, aunque la más popular y usada es la que mide entre 36 y 38 centímetros, llamada Quena en La, aunque en realidad está en la tonalidad de sol mayor.

Una de las particularidades de este instrumento es la muesca, escotadura o chanfle, de los cuales hay diferentes tipos: en U, en C, en V, el recto, etc.


Manchay Puito

Hay numerosas fábulas o leyendas con este instrumento. La más conocida es la del "Manchai Puitu".
Hay diversas versiones de la leyenda, pero todas cuentan la historia de un amor entre un hombre y una mujer en la que, tras diversos avatares, la mujer muere y el hombre fabrica una Quena con la tibia de la fallecida, ofreciendo aquel horrible instrumento unos sonidos desgarradores.
En las distintas versiones, el hombre es un indio de Chayanta y ella una joven india que le atendía, o es un joven peruano apellidado Camporeal hijo de un español y de una india y ella una doncella descendiente de los conquistadores, o bien él es el hijo del Señor de la comarca de Maratec y ella una india llamada Zenaguet, etc.

Aquel indio de Chayanta, en sus últimos días se vuelve loco y va deambulando por la ciudad. Cada vez que encontraba un cántaro, metía su Quena y entonaba un canto que él había compuesto para recordar a su amada.
Aquel canto decía así:

Que tierra cruel ha sepultado
A aquella que era mi única ventura?
Lozana la dejé como una flor.
Algún viento maligno tal vez se la ha llevado?
Voy siguiendo su rastro,
Voy buscando su sombra.
Es ella quien me da su sombra en el camino
es solo la cortina de mis lágrimas?

La voy soñando, y la beso en mi sueño.
En mi congoja, ella acude y me habla.
En mis horas de confusión, la veo :
en un vuelo de luz baja hasta mi.
Fuera mejor que me matara?
Quizás mi muerte la ofendiera?
Con la muerte podría aproximarme a ella;
Pero tal vez me vería más lejos.

Voy arañando la tumba en que duerme,
Mientras cae mi llanto como lluvia sin fin.
Creo que así se ha de ablandar la tierra
Para buscar después en el fondo a mi amada.
Dondequiera que sea.
Así en el seno de la tierra,
Mujer, yo solo he de adorarte
Y nadie, sino yo, te ha de mimar.

Con el calor más tierno de mi aliento
Conseguiré devolverle la vida.
La abrazaré, la besaré, y mis besos
Despertando la irán suavemente.
Más, si así no ha de ser,
Ven, no tardes, ciclón,
Que tus hondas tinieblas me devoren
Y en ellas para siempre desaparezca mi vida.

Tú, tierra humedecida con mis lágrimas,
Tú, tierra generosa, albergamos.
Una sola unidad formamos en el mundo,
Quiero que así quedemos para la eternidad.
Yo soy noche sin fondo.
Soy soledad sin término.
yo soy la carne misma de la angustia
Y estoy en fuga de mi propio pensamiento.

Más, no. Quiero algo de ella. He de arrancarle un hueso
Y lo tendré en mi seno tal si fuera ella misma
El se ha de convertir en Quena entre mis manos
Y ha de llorar mis propias lágrimas.
Desde la eternidad,
Desde el origen de la luz,
Es tal vez ella quien me esta llamando?
No, es tan solo el lamento de mi Quena
!


De esta leyenda viene la costumbre de tocar la Quena introduciéndola en un cántaro con tres aberturas.

















El instrumento que podéis escuchar en el siguiente vídeo es una Quena de bambú construida por nativos de la provincia de Jujuy, al norte de Argentina, limitando ya con Bolivia. Como detalle, en la muesca tiene una incrustación de hueso. En la imagen del principio correspondería con la Quena que aparace a la derecha.

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sábado, 16 de febrero de 2008

Flautín


El Flautín es un instrumento que pertenece a la familia de la Flauta. También se le llama Píccolo. Este nombre proviene del italiano, donde flauto piccolo significa flauta pequeña.

El Flautín es como una Flauta pero con un tamaño más pequeño, aproximadamente unos 30 centímetros. Consta de un tubo cilíndrico cerrado en uno de sus extremos (donde está la embocadura) y el otro extremo abierto. Se puede construir todo de metal, con el cuerpo de madera y la embocadura de metal o todo de madera.

El modo de tocar el Flautín es muy similar a tocar la Flauta, aunque a la hora de tocarlo hay que tener en cuenta que éste suena una octava más aguda que la Flauta. Es por ello que el Flautín es un instrumento transpositor, ya que las notas que se tocan con el Flautín se escriben en el pentagrama una octava más grave de lo que en realidad suena.

Es el instrumento de la orquesta que emite los sonidos más agudos. Es por ello que su timbre es muy penetrante y se puede escuchar perfectamente aún cuando toda la orquesta está tocando. A pesar de ello, el Flautín también puede emitir sonidos delicados y tranquilos.

Durante el siglo XIX se extiende el uso del Flautín a las orquestas de ópera y a la música sinfónica, por lo que hoy en día podemos encontrarlo de forma habitual en las orquestas sinfónicas, en las bandas de música, en bandas militares, etc.

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Hu Lu Si

El Hu Lu Si (葫蘆絲 en chino tradicional, 葫芦丝 en chino simplificado, que quiere decir "seda de calabaza"; Hulu es calaba y Si es seda, refiriéndose al tono sedoso del instrumento) o Huluxiao (葫蘆簫 en chino tradicional, 葫芦簫 en chino simplificado, traducido aproximadamente como "flauta vertical de calabaza") está asociado con la minoría Dai (que lo denominan bilangdao 筚朗叨; Bi es el nombre para todos los instrumentos de viento, Lan significa que se toca verticalmente y Dao es la calabaza con el que está hecho) aunque también es usado por otras minorías de China del Sur, como Achang, Jingpo y Wa. Es un instrumento que está relacionado con el Bawu chino, el Joom Pi tailandés, el Dja Mblai que se puede encontrar en Laos y Vietnam y con muchos otros.



Es un instrumento muy popular en los condados de Dehong y Simao en la provincia de Yunnan, aunque hoy en día es usado por intérpretes del mundo entero.


El instrumento de la imagen está fabricado en la ciudad china de Beijing y está hecho de calabaza y bambú. Está afinado en Re.


El Hu Lu Si suele tener 3 tuberías de bambú que pasan a través de la calabaza, aunque hay algunos instrumentos que tienen una única tubería o dos. Una de estas tuberías está destinada para tocar la melodía y tiene 7 agujeros para los dedos (aunque existen algunos instrumentos que tiene dos tuberías para la melodía, denominado Doble Hulusi), mientras que la otra tubería emite un nota pedal que se puede suprimir tapando el agujero que la tubería posee.


Los hombres Dai tocan este instrumento para expresar su amor a la mujer, mientras que otras minorías lo tocan en el campo cuando descansan del trabajo.

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martes, 12 de febrero de 2008

Arabian Flute


Esta es una flauta de bambú construida por un artesano de Florida en EEUU.
El bambú de este instrumento está sometido a un proceso de secado y curado con un tratamiento de cera de abeja, lo que le da mayor resistencia a las temperaturas más altas y más bajas sin modificar demasiado su sonido.

El vídeo que hay a continuación es una improvisación con esta flauta:

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Flauta Dulce Alto (Sistema Barroco)


Anteriormente ha aparecido la Flauta Dulce Soprano, pero ahora le toca el turno a la Flauta Dulce Alto, que pertenece a la familia de las flautas de pico o flautas dulces y que suele estar afinada en Fa. Además este tipo de flauta tiene una digitación diferente, denominada digitación barroca. Las flautas que tienen este tipo de digitación poseen mejor sonido y están mejor afinadas que las que tienen la digitación alemana.

La flauta que se escucha en la grabación es una flauta dulce fabricada de plástico de ABS y que consta de tres partes.

En el vídeo se puede escuchar un dúo (ambas voces interpretadas por mí), concretamente es una Danza Francesa del siglo XVI:

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jueves, 7 de febrero de 2008

Xiao

El Xiao ( en chino tradicional, en chino simplificado) es una flauta vertical de China.

Este xiao está fabricado por la Dong Family, en concreto por el Master Maker S. H. Dong.

Se trata de un instrumento de viento tradicional chino muy antiguo, fabricado con bambú, que se cree que fue desarrollado por los Qiang, una de las minorías chinas del oeste, allá por el siglo I. Los estudiantes, jóvenes y mujeres fueron muy aficionados al xiao.

La forma moderna del instrumento con 6 agujeros se remonta a la dinastía Ming.



La longitud del xiao puede ir desde los 45 cm hasta más de 125 cm, aunque normalmente está entre los 75 y 85 cm.

El ángulo para tocar el instrumento es de unos 45 grados con el cuerpo.


Existen algunas variedades de xiao que son el qinxiao y el nanxiao.

Habitualmente es un instrumento que se toca sin acompañamiento, aunque también se puede tocar con otros instrumentos.

A continuación puedes escucharme tocando el xiao:

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lunes, 4 de febrero de 2008

Flauta Nativa Americana

Esta Flauta Nativa Americana proviene de Florida (EEUU) y está fabricada por Craig Noss.
Está construida a mano con madera de cedro aromático. Es una flauta de 6 agujeros y está afinada en Fa.

El origen de la Flauta Nativa Americana es una incógnita, aunque podemos afirmar que fue utilizada para diversas funciones, tales como el cortejo, la sanación, etc. Esto viene dado porque la mayor parte de la historia viene de la tradición oral y no podemos coger ésta como una fuente de información histórica exacta y totalmente verídica. Una de las leyendas más populares es la de Kokopelli.



KOKOPELLI

Los nativos americanos del suroeste lo consideran el Dios de la Fertilidad. Además es un antiguo dios de los indios Hopi.

Este flautista jorobado (que data de unos 3000 años de antigüedad, cuando se tallaron los primeros petroglifos) traía con su música la prosperidad a la gente y la tierra. Es representado por los Hopi mientras camina, generalmente con unas antenas encima de su cabeza y soplando una flauta que sostiene con sus manos. Su joroba contiene las semillas que son regadas con la lluvia que su flauta atrae.


Su música simbolizaba el paso del invierno a la primavera y traía la lluvia que hacía crecer las cosechas.

Kokopelli es representado a menudo con una erección en lugar de con su flauta. A veces la flauta que él toca en realidad es su erección. Esto es un signo de que Kokopelli es un símbolo de la fertilidad.

Cuenta la leyenda que todo el mundo cantaba y bailaba al tocar su flauta y que a la mañana siguiente todas las vírgenes y solteras estaban embarazadas.


A continuación un vídeo tocando la Flauta Nativa Americana:

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jueves, 31 de enero de 2008

Flauta Dulce


La Flauta Dulce es muy conocida hoy en día por ser un instrumento para niños usado en los colegios e institutos, pero no siempre fue así.

La Flauta Dulce o Flauta de Pico fue muy popular desde la Edad Media hasta el Barroco, época en la que se vio relegada por el avance en la construcción de instrumentos.

El uso del instrumento declinó después del siglo XVIII.

No sería hasta el siglo XX cuando la Flauta Dulce experimenta un auge, procedente del interés por utilizar instrumentos originales de la época para la interpretación de la música renacentista y barroca.

Hoy en día la Flauta Dulce se fabrica con baquelita y otros derivados plásticos, aunque también podemos encontrarla hecha de madera.

Está muy generalizado su uso en el mundo escolar, ya que es un instrumento con un técnica relativamente sencilla, aunque para tocarla con maestría es necesario mucho estudio, como con cualquier otro instrumento.

Muchos son los compositores de los dos últimos siglos que han escrito obras para Flauta Dulce e incluso también es utilizada en la música popular urbana.

La Flauta Dulce abarca un registro de algo más de dos octavas y suele estar afinada en do (Flauta Dulce Soprano), aunque otros instrumentos de la familia están afinados en fa, como por ejemplo la Flauta Bajo.

En el siguiente vídeo podéis escucharme tocando la Flauta Dulce Soprano de madera (la que aparece en la imagen) interpretando el tema de la banda sonora de la película "La lista de Schindler":

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Irish Whistle


En la imagen podéis ver mi Irish Whistle, instrumento que alguien me regaló después de un viaje por Irlanda.

El Whistle (silbido en inglés) es un instrumento típico de Irlanda y de la música celta.

Aunque tiene su origen hace 5000 años, es en el siglo XIX cuando se elabora el actual Whistle, conocido también con otros nombres como Tin Whistle, Irish Flute, Flageolet, etc.

Está construido de madera o de metal y suele tener una boquilla de plástico.

El Whistle tiene 6 agujeros y, al carecer de agujero en la parte trasera del instrumento, para conseguir sonidos en la segunda octava es necesario variar la presión del aire.

Mi Irish Whistle está afinado en re y lo podéis escuchar en el siguiente vídeo:

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Flauta Travesera


La Flauta Travesera actual se la debemos a Boehm, que en el siglo XIX presentó su novedoso sistema de llaves que facilitaba la digitación y el cual se mantiene hasta la actualidad.

El material en el que tradicionalmente se construían las flautas era la madera, aunque hoy en día es más habitual la plata, el oro o incluso el platino.

La Flauta Travesera pertenece a la familia del viento madera. La embocadura de este instrumento se denomina bisel y es en el bisel donde se produce el sonido de la flauta.

La Flauta Travesera no es un instrumento transpositor, ya que está afinada en do, aunque otros instrumentos de la familia, como la flauta en sol, si que lo son.

Para conseguir los distintos sonidos de la escala se abren o se cierran los orificios del instrumento, con lo cual cambia la longitud del aire que vibra dentro del tubo, produciéndose así sonidos graves y agudos.

Grandes flautistas a lo largo de la historia han sido
Jacques Martin Hotteterre “Le Romain”, Johann Joachim Quantz, Theobald Boehm, Paul Taffanel, Marcel Moyse o Jean Pierra Rampal, entre otros.

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La familia de las Flautas


Muchas son las flautas que pueblan el mundo y muchas de ellas no tienen en común más que el nombre.

Las hay de distinto sonido, otras tienen diferente número de tubos, las hay que tienen diferente número de agujeros, el material con el que están hechas es distinto, la técnica para tocarla también difiere de unas a otras, etc.

Pero para hacer una clasificación en la que todas las flautas del mundo tengan cabida y que no sea demasiado compleja, tomaremos como criterio de clasificación la técnica para tocarlas. De este modo tenemos cuatro categorías distintas (divididas a su vez en numerosas ramificaciones): flautas verticales, flautas oblicuas, flautas traveseras y flautas de pan.

1- Flautas verticales:

A su vez se dividen en flautas dulces o de pico y flautas de muesca.

Dentro de las de pico tenemos, por ejemplo, los tubos de órgano, que son nada más y nada menos que flautas de pico invertidas. Al dar cada tubo una sola nota, no necesita orificios.
También tenemos el galubet, un instrumento que posee tres orificios que son tocados con una sola mano, mientras que con la otra se tañe un tamborín.

En cuanto a las flautas con muesca, las más importantes son la quena, que es una flauta de los Andes con una sonoridad potente y el shakuhachi japonés, que suele estar tallado en bambú macizo y que posee cinco orificios.

2- Flautas oblicuas:

Son muy simples, ya que se talla una caña quedando, normalmente, los dos extremos abiertos.

Las flautas oblicuas más comunes en Europa provienen de países como Rumanía, Pakistán, Irán, Egipto, etc.
Uno de los más conocidos es el ney, que se puede utilizar de dos maneras: bien ajustando la embocadura sobre los labios o bien sostenerla entre los dientes dentro de la boca.

Dentro de las flautas oblicuas tenemos también un instrumento curioso, las flautas nasales, aunque algunas de ellas también pertenecen al grupo de las flautas traveseras. Su técnica para producir el sonido es introducir aire a través del orificio nasal. En muchas civilizaciones la cabeza es el habitáculo del alma y, por lo tanto, con esta forma de tocar se entra directamente en conversación con Dios.

3- Flautas traveseras:

Este tipo de flauta se impuso a la flauta de pico entre el siglo XVII y el siglo XVIII.

Entre ellas tenemos la flauta india tallada en bambú , el no-kan japonés, también construida de bambú o el dae-gum coreano, que posee un orificio no destinado a ser tapado con un dedo, ya que se cubre con una fina membrana vegetal.

4- Flautas de Pan:

Este instrumento se distingue de todos los demás en que posee varios tubos de distinto tamaño y cada uno de los cuales produce un solo sonido. Otra diferencia es que para tocar la flauta de pan hace falta mover la cabeza o el instrumento (incluso los dos a la vez) para dirigir el aire al tubo deseado; es por lo tanto un instrumento móvil.

Clasificación de los Instrumentos Musicales


Clasificaciones históricas:
Sistemas de clasificación históricos: China, India y Europa
En las culturas china e india se crearon sistemas propios de clasificación que se han mantenido en la tradición durante siglos.
En la cultura china los instrumentos se han dividido según ocho tipos de sonoridad o timbres con los que se imita el sonido de los ocho materiales básicos. Estos timbres diferentes se corresponden a su vez con las ocho direcciones de los vientos y las ocho direcciones concretas del espacio. Estos ocho timbres son los que imitan el sonido de la piedra (litófonos), del bronce (campanas), de la madera (placas de madera que entrechocan, tipo castañuelas), de la piel (tambores), de la seda (cordófonos), de la cerámica (ocarinas), del bambú (flautas), de la calabaza (órganos de boca). Aunque modernamente se ha introducido el plástico y otros materiales sintéticos sustituyendo a los tradicionales, se ha conservado la clasificación y la evocación de los sonidos antiguos.
En la India aparecen ya en el Natyashastra (siglo I) varios tipos de instrumentos agrupados en: campanas, gongs, crótalos (o sea idiófonos de metal), tambores, cuerdas, vientos. Esta clasificación presenta ya los cuatro tipos básicos que se adoptarán en Europa en el siglo XIX: idiófonos, membranófonos, cordófonos y aerófonos.
En Europa se presentan divididos en cuerdas, viento y percusión desde la Grecia Clásica.

En el Renacimiento, Johannes Tinctoris (ca. 1435-ca. 1511) en De inventione et usu musicae, ca. 1487 hace una de las primeras historias de los instrumentos desde la antigüedad hasta su época y los divide en: vientos (derivados de la tibia) y cuerdas (derivados de la lira).
* Los de viento a su vez se dividen en perfectos (los que hacen toda la gama y permiten tocar toda clase de piezas instrumentales) e imperfectos (los que no tienen estas posibilidades).
Sebastian Virdung (ca. 1465 - ?) en su tratado Musica Getutsch publicado en Basilea en 1511 reco-ge la tradición clásica griega y los divide en cuerdas, vientos, percusión.
* Subdivide las cuerdas en 4 grupos siguiendo aspectos morfológicos: con teclado, con mástil y trastes, con muchas cuerdas, y con pocas cuerdas que no tienen trastes.
* Y los de viento en 2 grupos: con acción mecánica (por ejemplo el órgano) y con acción humana (los de soplo humano).

En el Barroco se retoma la clasificación de perfectos e imperfectos ya mencionada por Tinctoris, con el mismo motivo de sus posibilidades acústicas. Entre otros autores la utiliza el arpista italiano Bartolomeo Giovenardi (Jobernardi). Pero también en esta época se introducen otras clasificaciones más funcionales, generalmente relacionadas con el bajo continuo.
o GIOVENARDI, B.: Tratado de la música, Madrid, 1634, Mss en la Biblioteca Nacional de Madrid: Armónicos (voces), aire o aliento (órganos, flautas, etc), rítmicos (arpas, laúdes, claves) y participantes (violones, vihuelas de arco).
o AGAZZARI, A.: Del sonare sopra el basso, Siena, 1607, uno de los primeros tratados sobre el bajo continuo: Fundamento (propios del bajo continuo) y ornamento (cítara, espineta, guitarra y otros).
o MERSENNE, M.: en Harmonie Universelle, París, 1636-37: Móviles e inmóviles; los móviles son: o flexibles o vibrantes (por aire, pulsación, arco, etc), inmóviles: litófonos, triángulos, peines, y en general los idiófonos.

Estas clasificaciones se muestran incompletas para las necesidades que surgen a partir de los coleccionismos del siglo XIX y la formación de los primeros museos instrumentales.
* Problema de los homónimos, es decir, instrumentos diferentes que tienen el mismo nombre (por ejemplo la gaita es el instrumento de fuelle en Galicia, Asturias y otros muchos lugares de España y Europa, pero también un tipo de chirimía popular o dulzaina en ciertos lugares de Castilla, y también se llama gaita zamorana a la zanfoña).
* Heterónimos, es decir, el mismo instrumento que es conocido con distintos nombres (por ejemplo guimbarda, trompa, arpa de boca, arpa judía).

El sistema de Mahillon y la versión de Sachs y Hornbostel:
Se suele citar a Victor Charles Mahillon como el primero que elabora y publica en el Catalogue Descriptif et Analitique du Musée Instrumental (Catálogo descriptivo y analítico del Museo Instrumental) de Bruselas (1880-1922) la clasificación en cuatro partes que se viene utilizando desde entonces es la siguiente: cordófonos, aerófonos, membranófonos y autófonos. Sin embargo esta clasificación había sido propuesta anteriormente por François Auguste Gevaert (1828-1908) el director del Museo en su Traité d'instrumention de 1863.

La clasificación de V. Ch. Mahillon establece las siguientes categorías:

o Grupos según la naturaleza de la materia vibrante:
o Cordófonos: el sonido se produce al vibrar una o más cuerdas tensadas entre dos puntos fijos.
o Aerófonos: el sonido se produce por la vibración del aire, dentro o fuera del cuerpo del instrumento.
o Autófonos: el sonido se produce por la vibración de la propia materia del instrumento y en ellos no interviene la tensión de cuerdas o membranas.
o Membranófonos: el sonido se produce a través de una membrana flexible que se puede tensar.
o Subgrupos por el modo de ejecución:
o Cordófonos: pulsados (arpa, guitarra, laúdes), frotados (familia del violín, viola da gamba, rabel).
o Aerófonos: con lengüeta simple (clarinete) o lengüeta doble (oboe, fagot, chirimía), con boquilla (trompeta, familia de las tubas, trombones), con bisel (flautas).
o Autófonos: de percusión (castañuelas, campanas), de pinzamiento o con lengüetas vibrantes (guimbarda o arpa de boca o la sanza africana), de frotación (armónica de vasos).
o Membranófonos: con entonación dada (timbales), sin entonación dada (pandereta, tambores variados).
Las críticas a la clasificación de Mahillon se centran en los subgrupos, no siempre fáciles de esta-blecer en un sistema cerrado como este. Hay instrumentos de cuerda que pueden ser punteados o frotados indistintamente. Los teclados quedarían separados: clavicordio y piano con los cordófonos percu-tidos; claves y espinetas, que son de cuerda pinzada, con las guitarras y los laúdes; el salterio también puede ser pulsado o percutido (dulcimer). Por tanto, instrumentos con parecida morfología quedarían dispersos porque son tocados de diferentes maneras.

Los alemanes Curt Sachs y Erich M. von Hornbostel (The History of Musical Instruments de 1940). Estos autores utilizan el sistema de clasificación decimal que había inventado recientemente el nor-teamericano Melvil Dewey (1851-1931) por el cual se forman subdivisiones de lo general a lo particu-lar utilizando números.
1 Idiófonos
11 Idiófonos golpeados
111 Idiófonos golpeados directamente
111.1 El golpe se produce entre dos partes sonoras complementarias
...
111.141 con cavidad (castañuelas)
...
111.2 Idiófonos percutidos con o contra un objeto no sonoro
...
111.232 Percusión en placas o láminas y en grupo (xilófono)
...
12 Idiófonos punteados
...
2 Membranófonos
21 Membranófonos percutidos
211 De percusión directa
...
etc.
El resultado de esta clasificación establece:
o Un sistema jerárquico que va de lo más general a lo particular y que divide la materia en clases, subclases, órdenes, subórdenes, etc.
o Un sistema abierto que ordena secuencialmente las ideas y permite la inclusión de nuevos elementos.
o Un sistema estático, es decir, ahistórico.
De esta clasificación se han hecho varias traducciones y versiones con análisis críticos del sistema de clasificación.
El sistema de S & H se aplica a los instrumentos occidentales sin mucha dificultad. Pero en Latinoamérica ha dado frutos específicos porque hay instrumentos que combinan varias tipologías, como ser a la vez idiófonos y membranófonos u otras mezclas.
En España tiene especial interés el estudio sobre instrumentos populares publicado por José Antonio de Donostia y Juan Tomás en Anuario Musical en 1947, en el que siguen la clasificación de S & H, traduciendo directamente al castellano los términos alemanes.
Por tratarse de un sistema ya antiguo (1914), las revisiones para su aplicación a fines concretos son casi siempre necesarias, y más, teniendo en cuenta los nuevos lenguajes y sistemas de ordenación alfa-béticos o numéricos aparecidos con la era de la informática. Pero en lo sustancial, en las divisiones y subdivisiones, permanece inalterable.

Propuestas desde la etnomusicología y otras clasificaciones:
Ya en 1936 Pierre Schaeffner, en su libro sobre el origen de los instrumentos musicales plantea una nueva clasificación (apenas usada posteriormente), pensando quizá más para instrumentos extraoccidentales (como los que él tenía a su cargo en el Musée del'Homme de París) que para los occidentales. Su clasificación en resumen es la siguiente:
o Cuerpos sólidos vibrantes:
o Rígidos, no tensables (todos los de materiales rígidos excepto los de viento, es decir, los idiófonos): campanas, sonajas, gongs, xilófonos, litófonos, etc. Sus materiales son variados: cerámica, piedra, madera, metal, etc.
o Tensables (todos los cordófonos y todos los membranófonos; la unión de ambas tipologías es un as-pecto criticado por algunos autores porque es poco útil para los instrumentos occidentales, pero alabado por otros porque hay instrumentos extraeuropeos que combinan estos dos elementos).
o Flexibles (los que utilizan lengüetas, como las zanzas, guimbardas, etc.)
o Instrumentos de viento

A partir de la década de 1970 aparecen otro tipo de clasificaciones que utilizan una taxonomía simbólica, es decir, un lenguaje gráfico.
De las clasificaciones asépticas y ahistóricas, que parten de lo general hacia lo particular, y de la que es paradigma la clásica de S & H, se llega a clasificaciones que parten de la descripción individual para ir a lo genérico, en las que se incluyen contextos culturales, como las formas de ser tocados, rituales en los que participan, etc., además de los puramente morfológicos. Para ello se utiliza un lenguaje gráfico con códigos previamente establecidos, que propusieron etnomusicólogos como Mantle Hood (Springfield, Illinois, 1918), Oskár Elschek (Bratislava, 1931) y otros posteriores.
Este tipo de clasificaciones gráficas fueron acogidas y puestas en práctica en los estudios etnomusicológicos, en los que este sistema ha permitido cambiar la jerarquización eurocéntrica y añadir una mayor información en cada una de sus aplicaciones.

La última clasificación propuesta es la de la musicóloga japonesa Sumi Gunji (1996), puesta en práctica en el catálogo de la colección de instrumentos del Kunitachi College de Tokio. Se trata de una nueva ordenación, práctica y funcional, para catalogar una colección amplia y moderna de instrumentos. Para ello Gunji introduce nuevas categorías diferentes de las de S & H:
I. Según el tipo de materiales (son llamados con términos latinos):
1. Massophone (massa = sólido)
2. Cupophone (cupa = hueco en la masa sólida)
3. Clavophone (clava = varilla)
4. Tabulophone (tabula = tabla)
5. Cordophone (chorda = cuerda)
6. Membranophone (membrana)
II. Según el material que vibra (cuerpo humano, vegetal, animal, mineral, aire, líquido, material sinté-tico).
III. Según la fuente de vibración (percusión, fricción, pulsación, aire vibrante, oscilaciones electróni-cas).
IV. Cómo se aplica esa vibración en el cuerpo (de forma directa, indirecta o mecánica).
V. Cómo se convierte esa vibración (no se convierte; se convierte por resonancia; por vibraciones for-zadas; por vibraciones electrónicas).
VI. Forma en que se convierte la vibración (sólido, hueco, tabla, membrana, cuerda, varilla).
VII. Material en el que tiene lugar o se convierte esta vibración (cuerpo humano, vegetal, animal, mineral, aire, líquido, material sintético).
Esta clasificación está expresada de manera esquemática en un cuadro con números, de manera que las distintas tipologías instrumentales también se expresan a través de una numeración (por ejemplo un tambor es 6312315; una trompeta es 4141265; un gong 44121--, etc).

(Extraído de un artículo de Cristina Bordas)

Breve Historia de la Flauta


La flauta es uno de los instrumentos más antiguos y también uno de los primeros instrumentos conocidos.

Podemos afirmar que la flauta se inventó cuando el hombre empezó a imitar los sonidos de la naturaleza.

En las civilizaciones primitivas se usaba para su construcción materiales como el hueso, la caña o incluso cuernos de animales.

Aunque no conocemos la música de la civilización antigua egipcia, si sabemos que en el antiguo Egipto se usaban flautas, puesto que se han descubierto representaciones de éstas en numerosas tumbas.

En la antigua China tenemos datos de la existencia de flautas de pan en el siglo XXIII a.C., aunque se piensa que ya existian en tiempos más antiguos.

También sabemos del uso de flautas en otros paises como Japón, India o Israel, por ejemplo, las flautas de bambú con orificos (“siau”), o el “ougob” (citado en el libro del Génesis).

De los instrumentos utilizados en Roma, conocemos la fídula, una flauta recta con dos tubos.

Ya en la Edad Media tenemos la certeza de la existencia de la flauta de pico o flauta dulce, utilizada en la música profana. El número de agujeros que poseian estas flautas no se conoce con exactitud y el material utilizado para su construcción era muy diverso: madera, caña, cerámica, hueso, etc.

Las primeras representaciones que se conocen de flautas dulces están en Cataluña, más concretamente en el retablo de la Iglesia de Santa Clara, en Barcelona, donde aparece un Virgen con el Niño y en el retablo del Monasterio de Sant Cugat del Vallés, donde aparecen seis ángeles músicos. Datan aproximádamente del año 1390.

Se conservan, además, dos flautas dulces medievales: la flauta de “Dordrecht” y la flauta de “Würzburg”, la primera se cree que es del siglo XIII y la segunda solo se conserva parcialmente, concretamente el tercio inferior del instrumento.

El “galoubet” es otra flauta medieval, utilizada, por ejemplo, en Provenza (Francia). Esta flauta tiene solamente tres agujeros que se tocan con una mano, mientras que con la otra se tocaba un tamborín.

De la época del Renacimiento se conservan unas 150 flautas. Dados los avances en la construcción de instrumentos, se empiezan a construir flautas agrupadas en familias.

Michael Praetorius, en su “Syntagma Musicum. De Organographia” de 1619 describe la familia de las flautas de pico.

Desde la aparición del sistema temperado, la flauta tuvo que adaptarse a estas nuevas reglas y aunque la flauta de pico mantuvo su hegemonía durante tres siglos, la flauta travesera se haría, poco a poco, un importante lugar.

Hay partituras para flauta travesera de siglo XIII, aunque tendría que esperar cuatro siglos más para ser un instrumento integrado en la orquesta.

Durante el Barroco se hicieron importantes avances en la construcción de flautas traveseras, por ejemplo, la división del instrumento en tres partes, lo que permitia alargar o acortar el tubo para afinar con otros instrumentos.

Innumerables innovaciones se suceden a lo largo del tiempo, hasta que Theobald Boehm diera a conocer en 1832 su novedoso sistema de digitación.

Su método de fabricación y su mecanismo de llaves continua siendo el empleado hoy en dia en la construcción de la flauta travesera.

La flauta de Boehm es el modelo de todas las flautas contemporáneas.

Música ¿para qué?

Para qué sirve la música es la pregunta que deberíamos hacernos antes de tomar decisiones que eliminen su presencia del sistema educativo.

¿Por qué no se valora a la música en la educación artística dentro de la enseñanza general y curiosamente cada vez proliferan más centros de estudios musicales, más salas de conciertos, más agrupaciones corales, bandas, etc.?

Desgraciadamente en nuestro país es endémica una doble moral que nunca ha entendido ni atendido las reivindicaciones de los profesionales de la música, mientras que aquella escasa parte de la población que puede permitírselo insiste en dar una formación de conservatorio o privada a sus hijos, en muchos casos con una voluntad elitista, sinónimo de cultura y distinción, confundiendo la formación rigurosa y dura de un profesional con una mera y simple actividad extraescolar que aprenderán en un centro que, a modo de guardería, los entretenga. Este planteamiento academicista y trasnochado choca en la realidad con una población que posee un enorme potencial creativo y artístico a poco que se cultive.

¿Y la diversidad? ¿Y la multiculturalidad? ¿Qué puede hacerse con los chicos y chicas recién llegados de otros países, que ignoran el lenguaje, que no entienden los mensajes de una sociedad que empiezan a descubrir?. ¿Para qué sirve el arte?. Para comunicar, para relacionar, para expresar, para conmover, para abrir canales, para cantar, para bailar, para dibujar, para aprender, para interpretar, para sentir, para reír y tender puentes cuando otros lenguajes no se dominan todavía.

¿Y el conocimiento y difusión de nuestro patrimonio musical nacional, regional y local? ¿Podrá llevarse a cabo en las enseñanzas obligatorias si la educación musical no tiene una presencia adecuada en cada nivel?

Entonces, música ¿para qué? Lejos cada vez más de aquella concepción griega y del Cuadrivium, y sin asumir aún las modernas corrientes en las que se descubre cómo la música ayuda en el desarrollo armónico de la personalidad de los niños a través de la educación, tendremos que informar y recordar a aquellos que no recibieron formación artística en su proceso de formación personal, que la Música estimula el cerebro, afina la destreza auditiva y desarrolla la capacidad para escuchar. En la interpretación musical (expresión vocal y canto, expresión corporal y danza y expresión instrumental) se trabajan todas las conductas motrices requeridas para el equilibrio psicofísico de los individuos: coordinaciones, relaciones espacio-temporales, equilibrio, etc. En el canto se trabaja todo el aparato fonador, la relajación, la respiración, la emisión, la comunicación. Se sabe que los efectos de la música implican a los elementos sensoriales y emocionales y que éstos están registrados en el cerebro.

Conforme avanzamos en la formación del individuo en sus diferentes etapas, también en el aprendizaje de la música trabajamos la relación social, el respeto a los demás, la observación y concentración, la disciplina y las normas, la sensibilidad y la consciencia personal y además, la creatividad y la capacidad que tiene la música de provocar la emoción que es quizás uno de los elementos que posee más fuerza a la hora de contemplar el constructo motivacional de los amantes de cualquiera de las artes.

Todo esto, lo realizamos en un tiempo de una hora semanal en la Educación Primaria (de ahí nuestra insistencia de ampliar esa hora a dos) y de dos horas semanales en los tres primeros cursos de la Educación Secundaria. Y todo esto lo hacemos participando de la Música Activa con el alumnado, utilizando la música como algo vivo y sentido, porque los conceptos se aprenden de forma directa, desde la misma música, haciendo música, sintiendo y expresando a la música, No existe en los proyectos curriculares de los centros la palabra "solfeo" porque en la educación general no preparamos a músicos profesionales, para ello están los Conservatorios de Música.

La educación necesita preparar a los ciudadanos del mañana para el futuro que les aguarda, siempre diferente e imprevisible, potenciar, en consecuencia, las destrezas físicas, el equilibrio y la armonía personal, la capacidad de relación y convivencia, y desarrollar la creatividad y el pensamiento divergente, formación que demanda la sociedad actual en permanente crisis, evolución y cambio.